UnosTiposDuros http://www.unostiposduros.com Teoría y práctica de la tipografía Fri, 18 Apr 2014 11:20:41 +0000 en hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.3.1 Curso de lettering con Iván Castro http://www.unostiposduros.com/curso-de-lettering-con-ivan-castro/ http://www.unostiposduros.com/curso-de-lettering-con-ivan-castro/#comments Fri, 18 Apr 2014 11:20:41 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8229

Con el sugerente título de Caligrafía y Rock’n'Roll, el diseñador y calígrafo Iván Castro presenta un muy interesante curso a través de Doméstika, todo un seguro de calidad. La particularidad de este taller, en el que los alumnos realizarán el logo de un grupo musical, es que se impartirá online facilitando así que cada asistente siga las lecciones a su propio ritmo y conveniencia, sin plazos de entrega ni fechas de finalización.
Una gran oportunidad para descubrir la potencialidad expresiva del lettering de la mano de uno de los grandes.

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101 cosas que aprendí en la escuela de arte http://www.unostiposduros.com/101-cosas-que-aprendi-en-la-escuela-de-arte/ http://www.unostiposduros.com/101-cosas-que-aprendi-en-la-escuela-de-arte/#comments Mon, 14 Apr 2014 17:51:18 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8220

Cae la tarde y empiezan a iluminarse las primeras luces que por sí mismas constituyen una auténtica instalación artística y, a su vez, dan carácter a este edificio. Nos encontramos en uno de los centros de referencia del arte emergente, y que permite a los jóvenes artistas desarrollar talleres y proyectos muy diferenciados y alejados de los que se pueden desarrollar en una escuela de arte convencional.
Este libro “101 cosas que aprendí en la escuela de arte” nos hace reflexionar precisamente sobre el significado de escuela de arte y el aprendizaje que ofrece a los futuros artistas. Afortunadamente el autor Kit White tuvo la suerte de estudiar en Harvard y acumular una serie de experiencias y conocimientos en su permanencia en una escuela de arte, y una selección de estos son precisamente los que nos ofrece en esta obra.
La estructura del libro está constituida por una serie de resumidas píldoras informativas que acompaña con dibujos realizados por el autor y que complementan el texto. Este compendio de informaciones es muy variable y no sigue, a priori, un criterio concreto en su desarrollo en el libro. 8-El arte es un diálogo en curso que se prolonga durante miles de años, 17-dibujar consiste en hacer signos, 30-por cada hora de creación, dedica otra a la reflexión y la observación, 35-En el arte, la sinceridad no es un valor añadido, 46-Celebra cada “feliz accidente”, 58-La fotografía cambió para siempre nuestro sentido de la composición, 70- El color es luz, 86-La objetividad es, en gran medida, una ilusión.
No existe un índice como tal y por lo tanto podemos realizar una lectura sorpresiva, que va generando una excitante construcción de los contenidos en la percepción del lector. No nos encontramos con una lectura lineal, sino asociativa, y es frecuente que recurramos a consultar diferentes partes del libro para ir componiendo reflexiones con la suma de estos fragmentos. Nos encontramos ante un ejercicio de lectura que nos propone un auténtico proceso creativo  y constructivo.
En definitiva “101 cosas que aprendí en la escuela de arte”,  cuando se encuentra en manos de un artista en ciernes, le está avanzando un camino de análisis y una muestra de la amplitud de cuestiones que un artista tiene que considerar continuamente.
Proceso, color, formalismo, Malévich, digital, medio, ilustración, signos, desconcertar, autor, performance, mercado, Rist. Estos términos extraídos, de entre los cientos del libro, nos muestran perfectamente que estamos ante las puertas a las que tenemos que acceder cuando acudamos a una escuela de arte. Algunas de ellas no las vamos a encontrar abiertas, y somos nosotros mismos, en nuestra trayectoria como artistas, los que tenemos que abrir y recorrer.
El autor Kit White nos indica esencialmente hacia dónde debe encaminarse el futuro artista y todo el conocimiento que debe ir acumulando. Con ello, incita a ampliar la información que de manera tan concentrada nos presenta en “101 cosas que aprendí en la escuela de arte” y que el artista alcance una sólida personalidad creadora.
Volvamos a nuestro escenario inicial, ya es de noche y las cambiantes luces de colores y las proyecciones digitales dan vida a este singular edificio. Jóvenes creadores van saliendo y conversando, sus figuras se van difuminando en las calles de alrededor. Entre esas conversaciones dos artistas experimentados recuerdan los tiempos cuando eran estudiantes en una escuela de arte.
¡Cuánto han cambiado las cosas! Ahora el concepto de aprendizaje de arte se ha amplificado absolutamente y las propuestas que surgen desde el arte contemporáneo llegan no solo a estas escuelas de arte sino a los diferentes entornos sociales. Consecuencia de esto es que los artistas que están iniciando su camino formativo tengan una visión cada vez más extensa de las implicaciones entre el arte y lo cotidiano de nuestra existencia.
Al final de la conversación, uno de los artistas le comenta al otro que su hija quiere estudiar arte, y pregunta ¿Crees que debería ir a una escuela de arte?

Por Carlos Ruiz Balaguera
Carlos Ruiz Balaguera, artista plástico. Desarrolla arte vecinal en el Ensanche de Vallecas. Esta acción de arte comunitario pretende establecer un nivel colaborativo entre asociaciones, organizaciones y personas, generando una serie de interacciones sociales que dan lugar a proyectos artísticos colectivos. Más info en www.artevecinal.es

 

101 cosas que aprendí en la escuela de arte
Kit White

15 x 15 cm
226 páginas
ISBN: 9788425225970
Cartoné
2014

 

 

 

 

 

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Caligrafía con Oriol Miró en El Escorial http://www.unostiposduros.com/caligrafia-con-oriol-miro-en-el-escorial/ http://www.unostiposduros.com/caligrafia-con-oriol-miro-en-el-escorial/#comments Wed, 09 Apr 2014 15:28:31 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8213 Caligrafía itálica con Oriol Miró

Buenas noticias para  los amantes de las formas caligráficas. El prestigioso calígrafo catalán Oriol Miró va a impartir un curso intensivo de itálica en El Escorial.
Según nos cuenta él mismo: “Vamos a hacer itálica a tope, del 23 al 25 de mayo, durmiendo y comiendo entre tintas y plumas. Practicaremos la letra itálica cancilleresca en la tradición de los maestros renacentistas Arrighi y Cataneo. Escribiremos mañana-tarde-noche y hasta que nos salga el Arrighi por las orejas”.

El precio del curso es de 300 euros en habitación individual y 270 en habitación compartida e incluye la pensión completa y los materiales básicos (tintas, plumas y papel)
El alojamiento será en Casa San José de El Escorial.

Para saber más y para reservar vuestra plaza, escribid a: madridcaligrafia@gmail.com

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Abierta la inscripción al VI Congreso de Tipografía http://www.unostiposduros.com/abierta-la-inscripcion-al-vi-congreso-de-tipografia/ http://www.unostiposduros.com/abierta-la-inscripcion-al-vi-congreso-de-tipografia/#comments Sun, 23 Mar 2014 18:06:23 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8207

Esto ya ha tomado definitivamente forma. Se acaba de abrir el periodo de inscripción para asistir al VI Congreso Internacional de Tipografía. En esta edición la temática sobre la que girarán las ponencias y las conferencias será la de 10 años de tipografía en España (2004-2014). ¿Qué ha pasado en estos diez años con la tipografía en España? Diseño de tipografías, investigación, aparición de colectivos, divulgación, enseñanza… podemos afirmar con rotundidad que han sido diez años muy fructíferos.
¡¡Y además si os apuntáis antes del 20 de mayo, con descuento!!

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Where have all the spaces gone? http://www.unostiposduros.com/where-have-all-the-spaces-gone/ http://www.unostiposduros.com/where-have-all-the-spaces-gone/#comments Sun, 09 Mar 2014 16:58:25 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8109

¿Dónde se han ido todas las flores? se preguntaba Pete Seeger en una de sus más famosas canciones. La misma pregunta nos hacemos nosotros sobre los venerables espacios utilizado en la composición tipográfica clásica con tipos de plomo y que parecen desaparecidos en la moderna composición digital. La “mecanización de la escritura” posibilitada por la aparición de la imprenta con tipos móviles, y que en Europa tuvo lugar a mediados del siglo XV, significó la estandarización tanto de los caracteres del alfabeto como de los espacios vacíos que separan las palabras o las letras.
La práctica tipográfica con tipos de plomo cubre un amplio espacio temporal en la historia de la imprenta, concretamente más de cuatro siglos, durante los cuales, y en particular a partir del siglo XVII en los que comienzan a aparecer los primeros manuales que dan cuenta de sus procesos y técnicas, se produjo un proceso de difusión y consolidación de las herramientas y materiales utilizados qué prácticamente llega hasta nuestros días y que se ha transmitido a través de tecnologías totalmente diferentes como han sido la fotocomposición y la autoedición digital.

¿Clásico o moderno?
Llegado hasta aquí, en un entorno totalmente digital, me preguntaría si es necesaria la implementación de la tipometría clásica (puntos Didot y pica) en los programas de maquetación como Indesign. ¿Hacen falta para, por ejemplo maquetar, un libro? ¿Nos proporciona más seguridad que el punto postscript? ¿Qué hacemos con el sistema métrico decimal?
Posiblemente pueda parecer un anacronismo seguir utilizando los puntos Didot. De hecho si seguimos conociéndolos, y utilizándolos, fue debido a que cuando aparece el sistema métrico decimal en Francia a finales del siglo XIX, el propio Napoleón intentó que los impresores y fundidores franceses adoptaran esta unidad de medida y solamente el alto coste de la adopción de la misma (había que tirar todos los tipos y el material de blanco existente y volver a fundirlos) evitó que se llevara a cabo.
Pero claro, el sistema métrico decimal se fue imponiendo en prácticamente todos los demás campos donde era necesario medir algo, así que ahora nos encontramos manejando un software estupendo de composición de página (Indesign) que contempla el uso de las unidades decimales, que como está realizado en USA también nos incluye las unidades del sistema anglosajón de medida (la pulgada), y solemos dudar a la hora de establecer en sus preferencias que unidad de medida tipográfica elegimos: Puntos didot, pica o postcript o los cíceros y las picas (que provienen también de los tiempos del plomo tienen ambos una dimensión de 12 puntos).
Pero vamos a ver esta cuestión algo más de cerca. Mi impresión es que está bien seguir implementando los puntos tipográficos clásicos y que, como veremos más adelante, tienen su utilidad práctica pero no para ser utilizados en todas las medidas de una publicación y sus componentes sino en aspectos concretos de la misma.
Respecto a si son más útiles los puntos “analógicos” o “digitales” yo lo que creo es que a menos que quieras comprobar tipómetro en mano los ajustes de una página, mejor establece como unidad los puntos Postscript.

Las medidas tipográficas
Para saber en que tipos de mediciones son útiles los espacios clásicos tipográficos, lo primero que tenemos que ver son los dos tipos de medidas que conviven en una composición tipográfica. Estas son las medidas absolutas y las relativas. Las medidas absolutas son las que sus dimensiones son fijas y se utilicen donde se utilicen siempre serán las mismas. Aquí entrarían los puntos tipográficos (un punto Didot equivale a 0,376 mm, un punto Pica equivale a 0,351 mm, un punto Postscript equivale a 0,352 mm) y los cíceros y picas (12 puntos en cualquiera de los dos sistemas). Si utilizamos el sistema métrico decimal hablaríamos de centímetros o milímetros.  Un ejemplo de medida absoluta es una fuente tipográfica de 12 puntos.
Por su parte las medidas relativas no tienen un valor fijo y absoluto como las anteriores sino que se aumentan o disminuyen proporcionalmente conforme el objeto que miden aumenta o disminuye. Las medidas relativas las encontramos en los espacios blancos que acompañan a una tipografía en un tamaño concreto. Por ejemplo a continuación puedes ver el valor de los espacios correspondientes a nuestra tipografía de cuerpo 12. Estos son los espacios que en tipografía de plomo se utilizaban para separar letras y palabras, para indicar algún espacio mayor como el de inicio de párrafo y para completar las líneas:


La unidad de todos ellos es el cuadratín. A partir del cuadratín los espacios se dividen o se multiplican. En nuestro caso vamos a hablar solamente de los espacios que dividen el cuadratín, que son los utilizados para medidas cortas como el espacio entre palabras o caracteres: Medio cuadratín, espacio grueso, mediano y fino.
Comentar en este punto que los que hayan visto este tema en textos o traducciones del inglés, habrán visto que el cuadratín lo denominan como espacio M, para el medio cuadratín espacio N, y para los demás espacios divisiones con referencia al espacio M.
Como hemos comentado que esta unidad es relativa significa que adoptará siempre el tamaño de la fuente en la que está incluida, así una fuente de 16 puntos tendrá un cuadratín de 16 puntos, un medio cuadratín de 8 y los espacios serán divisiones de 16. En este caso, y siguiendo el ejemplo con la fuente de plomo de 12 puntos los espacios que incluiría serían los siguientes.


Asimismo, la anchura de los diferentes caracteres también está considerada en unidades de cuadratín (nosotros vamos a continuar citándolos con su término en español), y esto no cabe duda de que es una brillante idea. Por ejemplo Monotype basaba todos los anchos de los caracteres de sus diseños tipográficos dividiendo el cuadratín en 18 unidades. Todos los caracteres debían ajustarse a unidades completas siendo por tanto el más ancho de 18 unidades y el más pequeño de 5 unidades.
También en tipografía digital se siguen utilizando las unidades de cuadratín pero en este caso las posibilidades en cuanto a dibujo de los caracteres y ajuste de la composición son bastante más amplias. Valga como ejemplo que las fuentes PostScript utilizan un cuadratín dividido en mil unidades. Una de las facilidades es, por ejemplo, no tener que realizar una tabla de pares de kerning para cada tamaño que utilicemos ya que otra vez con saber el tamaño que vamos a utilizar el programa realiza los ajustes necesarios en los programas, lo mismo que si cambiamos el tamaño de la fuente que estamos utilizando.

Esquema de un cajetín de matrices de Monotype. A la derecha figuran el tamaño en unidades de m de los diferentes caracteres.

 

Puntos o centímetros
Por lo tanto en Indesign conviven los dos tipos de medidas y nos queda por saber donde aplicarlas y donde funcionan mejor. Bajo mi punto de vista lo más sensato es trabajar con unidades del sistema métrico decimal en el apartado de definición del tamaño de página, márgenes e incluso de anchura de columnas dejando las unidades clásicas para definir los elementos microtipográficos como el tamaño de la tipografía, espacio entre líneas y línea base.
Seguramente nos es más fácil imaginar el tamaño de una publicación en centímetros que en cíceros así como el tamaño de sus márgenes y el ancho de columna (aunque en este caso algunos prefieren utilizar los cíceros).
Al contrario imaginamos mejor la dimensión de un tipo en puntos tipográficos que en milímetros así como el espacio entre las líneas y el tamaño de la línea base (de esta forma nos aseguramos realizar una rejilla tipográfica coherente).
Y esto es así, creo que no vale la pena quedarnos solamente con un sistema de unidades porque lo que se ajusta bien a un apartado, no lo hace tanto en otro.
Además, Indesign funciona como una calculadora excelente que ajustando en sus preferencias la medida de “salida” que deseamos utilizar podemos introducir la que queramos cuando estemos definiendo algún parámetro que el programa la transforma en la que hemos indicado.

Composición y justificación
En la composición manual con tipos de plomo, el compositor iba componiendo la línea, de acuerdo a la medida elegida, componiendo las palabra y utilizando los espacios para separarlas (un espacio grueso era el aconsejado para este fin). Una vez llegaba al final de la línea se procedía a su justificación, esto es darla la medida exacta, para lo cual iba cambiando los espacios por otros más anchos o más estrechos según eran los requerimientos de alargarla o acortarla.
En la composición digital se ha perdido ese “contacto íntimo” con la composición de las líneas de un párrafo. Yo suelo decir que en este caso debemos buscar en la composición el aspecto de un “bosque tupido”, sin claros en el mismo que llamen excesivamente la atención. Para lograr esta textura en la composición, el maquetador suele especificar unas opciones de párrafo conocidas como “P&J´s” (partición y justificación) que le sirven para indicar al “motor de composición” de la aplicación los diferentes parámetros (optimización del espacio entre letras y palabras básicamente) que debe utilizar en la composición del texto.

Y los espacios clásicos, ¿dónde se han ido?
La buena noticia es que todavía están contemplados en Indesign. La mala es que la traducción del programa al castellano no deja claro a que se refiere la opción donde los contempla.
Efectivamente, los espacios en blanco que podemos añadir manualmente están agrupados en una opción llamada Insertar espacio en blanco pero la “madre de todos los espacios”, el cuadratín, está traducido por espacio largo con lo que su significado genera dudas sobre la cantidad de espacio que añade. Por extensión pasa lo mismo con el medio cuadratín que se llama espacio corto y los subsiguientes espacios que no dejan bien claro su valor (extrafino, fino tercio y cuarto), si no conocemos de donde viene.


En conclusión
Como he apuntado más arriba la composición digital de texto no reside en ir colocando a mano los espacios heredados de la composición con tipos de plomo, pero creo que su implementación en las versiones en castellano de programas como Indesign ha dejado mucho que desear.
Una traducción que hubiera incluido los términos cuadratín y medio cuadratín, o que incluso hubiera dejado la denominación anglosajona de espacio m y n, hubiera ayudado sobremanera a comprender la naturaleza y dimensión de esos espacios que, como las meigas… “existir, existen”.

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«Os debemos una explicación… y os la vamos a pagar» http://www.unostiposduros.com/os-debemos-una-explicacion-y-os-la-vamos-a-pagar/ http://www.unostiposduros.com/os-debemos-una-explicacion-y-os-la-vamos-a-pagar/#comments Mon, 03 Mar 2014 07:00:38 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8199 “Como organizadores del curso que somos os debemos una explicación y esa explicación que os debemos os la vamos a pagar”.

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«Dibujar», de Helen Birch http://www.unostiposduros.com/dibujar-de-helen-birch/ http://www.unostiposduros.com/dibujar-de-helen-birch/#comments Wed, 26 Feb 2014 15:39:15 +0000 Redacción UTD http://www.unostiposduros.com/?p=8183

Los grandes maestros del dibujo siempre han estado ahí, como referentes inalcanzables, … las sugerentes líneas de los dibujos de Matisse, los ambientes inclusivos de Rembrandt, la naturaleza poderosa de Friedrich…, en fin, el virtuosismo. Y siempre llegamos a la misma conclusión, contemplar un dibujo es una intensa experiencia. Dibujar es una acción en la que entran en juego una gran variedad de resortes en la mente del artista, que se transmiten a la mano del mismo, y que concluyen en una creación llena de emociones. Lo fundamental es que seamos capaces de encontrar las claves para conectarnos completamente al dibujo que observamos. Como nos hallamos ante un auténtico ejercicio de percepción, no debemos dejarnos arrastrar por la destreza en la ejecución que aparece en la obra, hemos de saber reconocer también el ejercicio de análisis y síntesis formulado por el autor. Este libro DIBUJAR. Trucos, técnicas y recursos para la inspiración visual de Helen Birch, como su propio título nos anuncia, recoge perfectamente esta dualidad que debe contener cada dibujo.

La recopilación que nos ofrece Helen Birch es exquisita, abierta y diversa, por lo que a medida que vamos hojeando el libro, vamos hallando una sorpresa tras otra en cada una de sus páginas. No hay repetición visual alguna, y existen bastantes referencias entre sus páginas para poder realizar recorridos asociativos personalizados al lector. Y ahora es el momento de degustar con tranquilidad los dibujos que nos ofrece este libro. Hagamos recorridos pausados, no estamos ante las pantallas digitales, es ahora cuando nuestros sentidos se activan ante esta experiencia visual. Y poco a poco va surgiendo en nosotros una necesidad, que debemos contener, de ponernos a dibujar de inmediato. Continuemos hojeando el libro… Si abrimos por la página 212, Técnicas, y su contigua 213, Compartir imágenes en la red, vemos que éste puede ser un claro ejemplo de cómo conviven en este libro el pasado y el presente. Ya que, los que tenemos cierta edad, rememoramos los tiempos en los que con la goma arábiga encolábamos los papeles, y ahora compartimos nuestros dibujos digitalizados en flickr o en el propio blog de la autora.

Un fenómeno curioso va apareciendo a medida que leemos este libro, empezamos a observar cualquier objeto como un posible elemento a integrar en nuestros dibujos. Conservar, reutilizar y reciclar muchos materiales se convierte en costumbre. Concluido el libro, empiezo a seleccionar materiales que he ido acumulando durante estos días, y esto es solo el principio… Ahora los materiales me parecen más cercanos y aprovechables, y surgen ideas para su tratamiento como elementos del dibujo. Y también ocurre a la inversa, cualquier nueva idea se asocia directamente con alguna de las técnicas y los materiales que figuran en este ejemplar. Como ejemplo, podemos destacar las propuestas de Imágenes reutilizadas (pág. 78), el Cuaderno de bocetos (pág. 72), o la Manipulación digital( pág. 48).

Es de destacar la contemporaneidad de los artistas seleccionados, y que la acción de dibujar, intensa desde los albores de la humanidad, permanece como una forma de expresión completamente actual. En la página 220 tenemos un apartado de Colaboradores en la que podemos obtener datos acerca de los artistas que aparecen en esta edición.  En cuanto a la gran variedad de técnicas compiladas, a modo de manual, corroboramos que siguen la línea de mostrar, tanto las posibilidades ya utilizadas a lo largo de siglos, como las adaptaciones a todas las innovaciones tecnológicas digitales emergentes, apps, tablets, etc.
Y en la parte final podemos encontrar un capítulo dedicado a los Fundamentos del dibujo, que nos sirve de pequeña guía de consulta en cuanto a elementos, papel, color, tonalidades, materiales y todo lo relacionado con las técnicas del dibujo.
Ahora ya es el momento de que vuestra inspiración visual, completamente desbordada tras la lectura de este libro, os lleve a dibujar, dibujar, dibujar …

 

Por Carlos Ruiz Balaguera
Carlos Ruiz Balaguera, artista plástico. Desarrolla arte vecinal en el Ensanche de Vallecas. Esta acción de arte comunitario pretende establecer un nivel colaborativo entre asociaciones, organizaciones y personas, generando una serie de interacciones sociales que dan lugar a proyectos artísticos colectivos. Más info en www.artevecinal.es

 

Dibujar
Trucos, técnicas y recursos para la inspiración visual

Helen Birch

18 x 12 cm
224 páginas
ISBN: 9788425226939
Tapa flexible
2014

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IV Jornadas de Diseño en Toledo http://www.unostiposduros.com/iv-jornadas-de-diseno-en-toledo/ http://www.unostiposduros.com/iv-jornadas-de-diseno-en-toledo/#comments Sun, 23 Feb 2014 12:30:50 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8177

Las IV Jornadas de Diseño en la Escuela de Arte Toledo reúnen durante los días 11, 12 y 13 de marzo a un colectivo de teóricos, diseñadores, creativos y profesionales relacionados con el diseño gráfico y la comunicación visual. En esta convocatoria se plantea un escenario de reflexión en torno a esta profesión y su utilidad en el contexto social, más allá de intereses empresariales o de índole corporativa. El diseño no sólo es un reflejo de la sociedad de su tiempo, sino un motor (no exclusivamente económico) de la misma. En qué medida puede el diseño contribuir a mejorar la vida de las personas será el foco argumental en torno al cual se desarrollarán las charlas programadas, según las diferentes perspectivas abordadas por los ponentes.

La muestra de los distintos trabajos y propuestas por parte de los reconocidos profesionales que tomarán parte en estas jornadas, así como los debates que surjan a partir de sus intervenciones y de los talleres que se impartirán, serán un punto de partida para conocer, reflexionar e investigar sobre nuevos conceptos y realidades en torno al mundo del diseño gráfico y al respecto del papel activo del diseñador gráfico en la construcción de la sociedad en ámbitos diversos.

También queremos que durante estos días, la Escuela de Arte Toledo sea un centro relevante de difusión y promoción del diseño, y, ya que la asistencia a las conferencias es libre y gratuita, invitamos a todo aquél que desee aprender un poco más sobre la realidad del diseño gráfico en la actualidad a que se acerque a la Escuela y participe con nosotros en estas jornadas.

 

Conferencias

11 Marzo —–

Inauguración Jornadas
_10:15 a 12:00.

Pepe Medina: Sombras de la noticia

La ponencia la dividirá en dos partes:

La primera y principal en la que Pepe Medina explicará cómo desarrolló las imágenes para la sección de Opinión del periódico Público durante los años 2007-2012. Mostrará las distintas partes del proceso de creación de las mismas, así como ejemplos que fueron publicados.

La segunda parte es más breve y orientada al reciclaje del material que se crea en el proceso de trabajo. En esta fase mostrará algunos ejemplos de obras que surgieron a partir de los dibujos e ideas para el periódico.

http://www.pepemedina.net

 

_12:25 a 14:00.

Álvaro Sobrino: Diseño y Felicidad

Continuamente se nos insiste en que el diseño es factor para la exportación y la competitividad, valor diferencial o estratégico, innovación, herramienta para los emprendedores… sí, es todo eso. Pero, ¿y su valor cultural? ¿cómo afecta a la felicidad de las personas? ¿cómo incide en el desarrollo de nuestra sociedad?. Casi nunca hablamos de ello. Y es precisamente eso lo que hace que el diseño sea esencial. Porque para la economía, como valor añadido, es prescindible.

http://visual.gi

http://pseudonimma.blogspot.com.es

 

12 Marzo —–

_10:15 a 12:00.

Emilio Gil: ¿Pero de verdad es necesario señalizar los cascos históricos?

Emilio Gil tratará los siguientes temas en su ponencia:

La cita de Goethe: The hardest thing to see is what is in front of your eyes, con la que Paul Rand prologaba su ‘A Designer’s Art’ y su repercusión en el trabajo de un diseñador gráfico.

¿En qué puntos coinciden en la aportación de soluciones los arquitectos y los diseñadores gráficos?

¿En qué ámbitos puede trabajar el diseñador gráfico para mejorar la vida de las personas que viven o se relacionan con los cascos históricos?

¿Qué hacer con los rótulos de los comercios en los cascos históricos?

http://taudesign.com

http://pionerosgraficos.com

 

_12:25 a 14:00.

Enric Jardí: Lo que cuenta la tipografía

En un momento de la historia en que contamos más variedades tipográficas que nunca y en el que cualquier usuario de ordenador puede utilizar las letras como una herramienta para dar expresión al mensaje escrito es cuando más deberíamos conocer qué nos cuentan los tipos de letra. No es el momento de normas ni prohibiciones, es el momento de conocer más. Descubrir la función de la tipografía dentro de un ámbito social, y su repercusión gráfica en la sociedad.

http://www.enricjardi.com

 

13 Marzo —–

_10:15 a 12:00.

Raquel Pelta: Diseñar para el cambio social

Los sociólogos entienden por cambio social la transformación de las instituciones, leyes y sistemas políticos. Es, por tanto, una alteración apreciable de las estructuras sociales y con ellas de sus normas y valores.

Desde los años noventa, ciertos sectores del diseño vienen defendiendo que la tarea del diseñador es, precisamente, contribuir a un cambio social positivo así como ayudar a resolver los grandes problemas a los que se enfrentan actualmente nuestras sociedades.

Pero, ¿en qué medida es posible? ¿Qué supone diseñar para el cambio social? ¿Qué ideas y teorías se manejan? ¿Qué corrientes pueden distinguirse? ¿De qué ejemplos disponemos?

En esta conferencia responderemos a estas preguntas y reflexionaremos sobre el papel del diseño en el mundo de hoy.

http://www.monografica.org

 

_12:25 a 14:00.

Colectivo “Un Mundo Feliz”: El diseño que molesta

Cómo superar el miedo que paraliza. Cómo encauzar la rabia y la protesta. Cómo diseñar a favor de la democracia y el estado del bienestar. Cómo diseñar la sociedad que queremos… De todo esto trata el diseño social.

Diseñar para el ámbito social parte de la iniciativa personal y se prolonga en el grupo, participa de la polémica y genera controversia, se propone como método de resistencia frente a las agresiones, cuestiona el discurso dominante y permite un relato propio que se plasma en una emergente agenda social.

http://unmundofeliz2.blogspot.com.es

 

Talleres

Durante el trascurso de las jornadas se llevarán a cabo una serie de talleres donde se abordarán los conceptos y los objetivos tratados a lo largo de las mismas. El horario será en el turno de tarde.

11 Marzo —–

Pepe Medina: Taller de ilustración “Primera Plana”

Nº Alumnos: 12 (máximo). Con preferencia alumnos de ilustración.

Precio por alumno: 15 €.

Duración: 4h.

Descripción: Se trabajará sobre diferentes noticias reales ilustrando su contenido, componiendo una página con esas imágenes.

En el proceso se explorará las diferentes formas de acercarse a los conceptos que reflejan las noticias u opiniones editoriales. También se darán pistas sobre distintos métodos básicos para trabajar con imágenes. Todo esto en un tiempo límite que no deja de ser el tiempo real al que funciona el mundo de la información.

Material:

Papel A4 – A3

Tijeras / Cutter / Plancha de corte

Barra pegamento / Cello transparente.

Lápices.

Rotuladores negros.

Fotocopiadora / A4 – A3

 

Álvaro Sobrino: Taller de Microcollage

Nº Alumnos: 15 (máximo).

Precio por alumno: 15 €.

Duración: 3h.

Descripción: Teórico (20 min.) Análisis del lenguaje del collage, y su paralelismo con los recursos retóricos de la literatura. El microcollage. Ejemplos.

Ejercicio práctico de collage rápido: (10 min.) Manejo de conceptos sobre imágenes preexistentes, reparto aleatorio de ejercicios de retórica.

Práctica: (120 min aprox.).  El material de base serán diccionarios ilustrados escolares y enciclopédicos antiguos. Se trabajará sobre un tamaño común (circular, de 75mm), que permite incorporarlo a un soporte como la chapa. De esta manera, el collage puede convertirse en un complemento en el vestir, aproximándose a lo cotidiano y adquiriendo funcionalidad.

Conclusiones: Análisis, comentarios y puesta en común de las piezas realizadas durante el taller.

Material:

Tres revistas, y si lo desean el material gráfico que consideren para trabajar (catálogos, libros viejos, etc).

 

12 Marzo —–

Enric Jardí: Taller de tipografía “Lettering digital: como crear letras vectoriales”

Nº Alumnos: 20 (máximo). Con preferencia alumnos de Gráfica Publicitaria.

Precio por alumno: 20 €.

Duración: 4h.

Descripción: Este taller es una invitación a conocer las formas de la letra de cerca. Para ello haremos un recorrido breve por las distintas maneras que tenemos hoy de crear y utilizar letras: escritura, caligrafía, lettering manual y finalmente lettering digital. Con esta última técnica veremos como construir letras y palabras con vectores y como podemos empezar a convertirlo en una fuente digital.

Material:

Papel A4 – A3

Ordenadores con programas vectoriales.

 

13 Marzo —–

Colectivo Un Mundo Feliz: Taller “Disculpe las molestias. Estamos diseñando contra usted”

Nº Alumnos: 15 (máximo)

Duración: 3h.

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Shentox, la nueva tipo de Eduardo Manso http://www.unostiposduros.com/shentox-la-nueva-tipo-de-eduardo-manso/ http://www.unostiposduros.com/shentox-la-nueva-tipo-de-eduardo-manso/#comments Sat, 22 Feb 2014 19:28:18 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8165

Eduardo Manso acaba de poner en el mercado su nueva creación Shentox. Se trata de una tipografía cuya génesis nos sitúa su creador en una visita a Londres en el año 2008 y, en concreto, en su atracción por la tipografía utilizada en las placas de las matrículas británicas. Un diseño que data de 1935 creado por Charles Wright y que fue modificado en la anchura de los caracteres en el año 2001.

Un “palo seco” de corte geométrico y de trazos rectangulares al que Manso ha sabido sacar partido reinterpretando y mejorando las características clásicas de estos diseños y, lo que es básico para una tipografía sin remates, ampliando la disponibilidad de “pesos” para convertirla en una tipografía contemporánea, apta tanto para titulares como para cuerpo de texto. Asimismo hay que destacar el fino trabajo realizado en las curvas y uniones  con las astas para evitar cualquier tipo de efecto óptico no deseado sobre todo en tamaños pequeños. ¿Estás pensando en editar una revista “molona”? Con Shentox no te vas a equivocar en la elección tipográfica… ¡¡seguro!!

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El Madrid literario de Lope de Vega http://www.unostiposduros.com/el-madrid-literario-de-lope-de-vega/ http://www.unostiposduros.com/el-madrid-literario-de-lope-de-vega/#comments Fri, 07 Feb 2014 19:07:55 +0000 ramón http://www.unostiposduros.com/?p=8160  

La reciente aparición de una comedia inédita del “Fénix de los ingenios” aviva el interés acerca del conocimiento sobre los autores de ese Siglo de Oro que, en nuestra ciudad, vivieron y realizaron sus más sobresalientes obras. José Manuel Lucía Megías, gran conocedor de las formas literarias y de creación de nuestros literatos, ofrecerá una clase magistral sobre ese tiempo y su entorno. Un momento para introducirnos en el mundo de las letras del S.XVII y en el Madrid que ahora acoge estas obras eternas que fueron incorporando otros valores como el de la encuadernación artística, con el paso de los siglos.

Día 13 de febrero, a las 19:30 horas.
SALÓN DE ACTOS DE LA IMPRENTA MUNICIPAL-ARTES DEL LIBRO
C/Concepción Jerónima, 15
Metro Sol – Tirso de Molina – Latina
Entrada libre hasta completar el aforo.

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